Mein Leben als Zucchini (2016)

Der selbstgebastelte Drachen fliegt fest an seinem Band aus dem Fenster heraus, die Bierdosen fungieren als Bauklötze: Der neunjährige Icare, der Zucchini genannt werden will, weil seine Mutter ihn so nennt, zieht sich damit auf den Dachboden zurück. Später wird er dem Polizisten Raymond erzählen, seine Mutter habe viel getrunken, aber ab und an auch gut gekocht. Sie stürzt, im Zorn auf ihren Sohn, von der Dachbodenleiter; vielleicht war Zucchini auch Schuld an dem Tod. Ihm bleiben der Drachen, eine Bierdose und wenig mehr.

Es gehört ein gerüttelt Maß Tapferkeit dazu, einen Animationsfilm (auch) für Kinder auf dieser Note zu beginnen: Randvoll mit Traurigkeit, misslingendem Leben, ohne Aussicht auf Glück. Und so lässt Claude Barras’ Film Mein Leben als Zucchini in jeder Szene diese Tapferkeit aus den Ritzen scheinen.

„There is a crack in everything / That’s how the light gets in“, singt Leonhard Cohen in „Anthem“. Und hier wirkt alles brüchig, nichts glatt. Auch ganz physisch: Die Knetfiguren in der Stop-Motion-Animation sind blass, ihre Nasen rot, die Augen riesige Fenster in die Seelen. Sie bewegen sich immer ein wenig wie zusammengesackt, voll Müdigkeit. Wer weiß schon vorher, wann sich da ein Riss auftut?

Raymond bringt Zucchini in ein Waisenhaus, da sind alle Kinder traurig und einsam, Geschichten von Gewalt, Missbrauch und Vernachlässigung werden angedeutet. Die Kleinen suchen sich je ihre eigenen Auswege: Simon gibt den Anführer und macht sich über die Schwächeren lustig, Béatrice läuft immer zur Tür, wenn Fremde kommen, in Erwartung ihrer Mutter – doch als diese wirklich kommt, läuft sie ängstlich weg. Die Kinder kloppen sich, da wird es auch mal physisch, sie vertragen sich, streiten und verstehen sich und wachsen zu etwas zusammen, das anders und vielleicht mehr ist als Familie.

Dann kommt Camille ins Waisenhaus dazu, und Zucchini ist sofort verliebt. Vielleicht ist es auch eine große Freundschaft, wer weiß das in diesem Alter – aber diese Sache mit der Liebe beschäftigt sie sehr. Dann wird auch noch die Frau vom Lehrer schwanger, kommt das jetzt vom Küssen oder muss dafür doch der Schniedel explodieren, wie einer der Jungen gelernt haben will?

In Mein Leben als Zucchini ist die tragische Situation der Kinder kein Ausgangspunkt für unüberwindbares Drama, sondern Start in ein Leben, das gelebt werden will. Worauf die Kinder vertrauen können, sind geduldige, liebevolle und strenge Erwachsene im Waisenhaus, denen die Kinder alles andere als egal sind. Das hat mit Belehrung oder Moral nichts zu tun, der Film präsentiert keine belehrende Erkenntnis, wie ein besseres Leben zu führen sei.

Aber er leuchtet vor Empathie; Mitgefühl und Verantwortung füreinander ergeben sich dann quasi zwingend. Mein Leben als Zucchini erfüllt die kleinen Puppen mit mehr Leben, als die meisten Realfilme ihren Personen einzuhauchen vermögen. Vielleicht mag das verknappte Personal im Waisenhaus und ihre bedingungslose Zuneigung zu den Kindern etwas vereinfacht scheinen; aber zum einen ist es immer noch Meilen von den einfachen Gegensätzen à la Annie entfernt, und zum anderen darf dramaturgische Verknappung einiges, wenn sie den Kern nicht verkitscht.

Dass das nie geschieht, ist nicht nur der Animation zu verdanken, sondern insbesondere auch der Drehbuchautorin Céline Sciamma, die den Roman „Autobiographie d’une courgette“ von Gilles Paris großartig verknappt und umgesetzt hat. Die Frau hat vorher die Drehbücher z.B. der groß und breit und zu Recht gepriesenen Tomboy und Girlhood verfasst – für ihren ersten Animationsfilm hat sie die emotionale und intellektuelle Komplexität ihrer vorherigen Arbeiten nicht ignoriert, sondern mitgenommen.

Mein Leben als Zucchini ist für einen Oscar als bester Animationsfilm nominiert und hätte ihn mit jedem Knetkügelchen seiner Existenz verdient. Ein berührender, emotional ehrlicher und beglückender Animationsfilm, ein Glücksfall fürs Kino.

Mein Leben als Zucchini (Ma vie de courgette), Frankreich/Schweiz 2016. Regie: Claude Barras. 66 Minuten. FSK 0 (empfohlen ab 9 Jahren), Kinostart: 16. Februar 2017.

Fotos: Polyband

Poi E: The Story of Our Song (2016)

Es kommt immer wieder vor, dass ich jammern möchte, dass ein großartiger Film gewissermaßen im Programm der Berlinale Generation “versteckt” wird, aber das tut der Sache ja in mindestens zweierlei Hinsicht Unrecht: Zum einen, weil das Programm der Generation in der Regel für sich großartig ist und deshalb selbstverständlich Filme beinhaltet, die nicht nur “als” Kinder- und Jugendfilme Aufmerksamkeit bekommen sollten (und klar, es gibt Ausnahmen). Zum anderen, weil ich dankbar sein sollte, dass so sehenswerte Filme auf diese Weise ein Publikum finden, das für ihre Themen und Inhalte womöglich besonders empfänglich sind.

berlinale_logo Ich kannte die Geschichte von “Poi E”, dem neuseeländischen Hitsong aus den 1980er Jahren, überhaupt nicht (und sicher nicht nur, weil ich damals selbst noch Kind war). In der Art und Weise, wie Tearepa Kahi diese Geschichte erzählt, berührt sie noch einmal besonders: Aufgehängt an Lebensgeschichten, an geteilten Erfahrungen der Maori, an schließlich das Glück weniger von Erfolg als mehr von Anerkennung und Sichtbarkeit. Das ist wunderbar und großartig und doch bescheiden zugleich.

In allen Details habe ich das für das Berlinale-Blog von kino-zeit.de aufgeschrieben.

Und jetzt sollten wir alle dringend den Song im Original-Video anschauen:

(Foto: Sony)

Die Häschenschule – Jagd nach dem Goldenen Ei (2017)

Jeder kennt das Buch Die Häschenschule. Eingängige Reime, bunte Bilder, hübsch anzusehen – das mögen Eltern, und bis zu einem gewissen Alter mögen Kinder das auch, da ist es noch egal, dass die Schul- und Erziehungsideale dieses Buches, sagen wir vorsichtig, etwas antiquiert erscheinen mögen.

berlinale_logo Das mag 1924, als Albert Sixtus die Verse dichtete und Fritz Koch-Gotha seine Zeichnungen dazu entwarf, noch anders gewesen sein; da klang die Geschichte von der ländlichen Hasenschule womöglich noch etwas nach dem untergegangenen Kaiserreich, nur milde nostalgisch, nicht unbedingt veraltet. Will man diese Geschichte in die Gegenwart des Jahres 2017 bringen, muss man sich also etwas einfallen lassen. Eine Modernisierung eigentlich von innen, mindestens aber, als einfachste Lösung, von außen: Ein modernisierender Agent, der die Verhältnisse zum Hopsen bringt.

Und so betritt Max die Bühne, ein ausgesprochener Stadthase – und das Unheil, das sich Die Häschenschule – Jagd nach dem Goldenen Ei schimpft, nimmt nun zunächst auf der Berlinale, demnächst dann auch im Kino seinen Lauf. Ein Film, der es sich in wirklich jeder Hinsicht zu einfach macht und sein kindliches Publikum mal wieder mit dem geringstmöglichen Aufwand abspeisen möchte. Meine ausführliche Erläuterung dazu, warum das wirklich niemand ansehen muss, findet sich auf kino-zeit.de.

(Fotos: Universum Film)

Vaiana (2016)

Moana / Vaiana

Es beginnt mit einem dieser poetischen Momente, für die Disneys bessere Animationsfilme bekannt, gar berühmt sind: Vaiana, die kleine Tochter des Inselchiefs, kann gerade einigermaßen unbeholfen laufen, da lockt sie das Meer mit schönen Muscheln hinaus zwischen die Wellen. Es lockt wirklich: Das Wasser zieht sich zurück, damit sie auf trockenem Boden laufen kann, und schließlich steht sie da, auf drei Seiten von Wasserwänden umgeben, dahinter gleitet majestätisch eine riesige Meeresschildkröte vorbei – und ihr kleines Jungtier, das Vaiana gerade eben noch auf dem Weg über den Strand vor hungrigen Vögeln beschützt hat.

Damit sind die Themen des Films, der Titelsong ist kaum verklungen, schon gesetzt: Vaianas Furchtlosigkeit, das Wasser, die Natur. (Ein Schelm, wer auch ein bisschen an Moses dabei denkt.) Der Rest ist dann richtig gutes Erzählkino, diesmal mit einem Abenteuer von den Meeresweiten Polynesiens.

Vaiana (ab 22. Dezember 2016 im Kino) hat mir gut gefallen. Aber. Welche Gedanken der Film in mir ausgelöst hat, habe ich für kino-zeit.de aufgeschrieben.

(Foto: Disney)

Phantastische Tierwesen und wo sie zu finden sind (2016)

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Ich darf sagen, dass mich die Vorfreude auf einen neuen Film aus dem „Potterverse“ nicht wirklich vom Hocker gerissen hat – vielleicht vor allem deshalb, weil ich eher ein Fan der Harry-Potter-Bücher bin als der Filme (die ich stellenweise mag, aber… lassen wir das, das führt hier zu weit).

Sie kann’s also nicht lassen. Die Autorin der wunderbaren Bücher erprobt sich aber nun an einem neuen Genre und versucht es gleich mit Drehbüchern (und, im Falle von Harry Potter und das verwunschene Kind, Theaterstücken); Phantastische Tierwesen und wo sie zu finden sind erzählt nun Geschichten aus Vor-Potter-Zeiten, es treten Figuren wie Newt Scamander und Gellert Grindelwald, die auch in den Potter-Büchern schon in Erzählungen immer wieder auftauchten – und umgekehrt bedient der Film sein Fan-Publikum mit Verweisen auf Albus Dumbledore und allerlei Rückbezüge auf die mythologischen Kleinigkeiten, an denen das Potterverse so reich ist… Grundkenntnisse dieses magischen Universums setzt Phantastische Tierwesen und wo sie zu finden sind auf jeden Fall voraus.

New York, in den Roaring Twenties. Newt Scamander (Eddie Redmayne) stolpert mit seinem ziemlich abgewetzten Koffer von einem Ozeandampfer (warum er nicht einfach nach Amerika teleportiert hat, weiß der Geier) und ziemlich schnell in Schwierigkeiten mit den lokalen magischen Ordnungsbehörden hinein. In der Stadt ist eine gefährliche Zauberkreatur unterwegs, die die ganze magische Gemeinschaft gefährdet – und da Scamander in seinem Koffer einige seltsame Viecher ins Land geschmuggelt hat, ist er gleich sehr verdächtig. Die frisch suspendierte Aurorin Porpentina „Tina“ Goldstein (Katherine Waterston) heftet sich an seine Fersen, während Scamander einem Muggle (oder, wie man in den USA sagt: „No-Maj“; Dan Fogler) zu helfen versucht, den eines seiner Kreaturen gebissen hatte…

Brächte J.K. Rowling einfach „more of the same“ (und manche Kritiken ließen diesen Eindruck entstehen), so hätte man in dieser Konstellation einfach einen neuen Harry (Scamander), einen neuen Ron (Muggle Jacob Kowalski) und eine neue Hermione (Goldstein). Aber so einfach ist es glücklicherweise nicht. Das Trio wird schnell zum Quartett, die Rollen und Dynamiken sind doch deutlich anders, und das gilt für den gesamten Ton des Films.

Es gibt hier von Anfang an schon dunklere Untertöne, über allem liegt ein Hauch von Steampunk – und zugleich ist der Humor etwas erwachsener, die Themen von Anfang an dem Alter der Protagonisten angemessen. Kein Kinderkram also – aber eben auch noch kein Meisterwerk des komplexen Fantasykinos.

Zum Teil liegt das daran, dass der Film sich stellenweise in seinen Spezialeffekten verliert, statt seinem angeblichen Thema nachzuforschen: Was mit der Seele eines Menschen passiert, wenn er sich immerzu verbergen, unterwerfen muss. Und zum Teil daran, dass er es sich ein wenig zu bequem macht in den (immer noch wunderbaren) Welten, die J.K. Rowling mit ihren Büchern schon geschafft hätte. Unterhaltsam ist das allemal schon, aber es fehlt noch ein wenig an Tiefe und Komplexität.

Aber vielleicht kommt das auch noch: Rowling hat insgesamt fünf Filme geplant, die den Zeitraum bis 1945 umfassen sollen; das Drehbuch für die erste Fortsetzung ist wohl schon fertig. Auf weitere phantastische Tierwesen darf man also gespannt sein.

Phantastische Tierwesen und wo sie zu finden sind (Fantastic Beasts and Where to Find Them), Großbritannien/USA 2016. Regie: David Yates. 132 Minuten, FSK 6 (empfohlen ab 10 Jahren).

(Fotos: Warner Bros.)

Kinderfilmpodcast #002: Über Die Eiskönigin mit Spinatmädchen

FROZEN

Für meinen zweiten Versuch in Sachen Podcast habe ich eine wunderbare Gesprächspartnerin gewinnen können: Bianca aka Spinatmädchen bloggt viel, gern und mit sehr viel Wissen über All Things Disney (nicht nur über Filme, auch über die Disney Themenparks weltweit und mehr). Außerdem macht sie was mit Medien und Marketing.

Wir haben uns ausführlich und unter verschiedenen Punkten über Die Eiskönigin (Frozen, 2013) unterhalten – Bianca hatte vor einiger Zeit einer gemeinsamen Freundin erzählt, dass sie den Film gar nicht so sehr leiden könne, weil doch seitdem schon so viele bessere Disney-Filme gemacht worden seien, und das ließ in mir die Idee entstehen, man könne sich doch mal freundlich über diesen Film, seine Vorzüge und Probleme streiten. Was wir Anfang der Woche nun getan haben.

Worüber wir gesprochen haben/Shownotes und Links:

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(Foto: Disney)